作者简介
余尚红
男，1976年出生。毕业于南京艺术学院，本科。现为江苏省油画学会理事，吴冠中艺术馆油画院副院长。
余尚红作品
余尚红 新区 江苏 200cm×160cm
余尚红创作谈
《新区》创作感言
余尚红
在经历了二十多年的油画学习过程后，蓦然发现，一件满意的油画作品，往往是在良好创作条件上的“偶然”所得。坦率地讲，如果太在意作品的成功与否，反而会雕琢过分，失去作品的“天然”之美。
我在准备金陵百家展的作品时，采取的是随意创作然后再进行优选的方式。我通常都是先找感觉再抓灵感的办法，找感觉的方式很多，比如逛街、看风景、看画册、读书等。无论是艳阳高照的晴天，还是细雨霏霏的湿季，我喜欢开着车在家乡的山野里穿行，蜿蜒曲折的小道上，一眼望去，那茶园、村庄、溪流、行人等，皆可入画。抑或是返城的路上，城市建设如火如荼，这些场景不断跃入眼帘，我顿时感觉到国家繁荣富强、发展迅速，那种豪情满怀触动了我内心深处的每一个细胞。确实，这种景象值得细细揣摩，觉得有一种特别难以言传的意义深度与文化气息。于是，我就尝试着把捕捉到的这种场面放到画布上。
说到我的这幅作品，其实表现的主题非常单纯、平实，反映的内容就是现代新兴城市发展中的一个建设场景。在构图上，我综合了建筑设计的一些原理，注重点、线、面的结合。一方面，将建筑构件、画面前景中的各种车辆、道具等与大块面的墙体、天空形成鲜明的面积对比；另一方面，又运用塔吊、未完成的一面空墙、水泥框架把画面组合穿插在一起，以使画面内容衔接紧凑，组成一个单纯而有变化的序列，表现出一种节奏感。在色调上，我运用暖色，以渲染画面建设中的热烈气氛。我相信“一切美好的光是来自心灵的源泉”，将天空画成橘黄色可以说是与主题有着某种联系的。在画面的趣味处理上，我将整个建筑的外墙和天空以带有韵律的水平线和垂直线所贯穿，进一步增强外形的变化，虚实、明暗、方圆形成有趣的对比。在色层肌理的处理上我采用了多层加厚的画法，颜色的反复叠加，不但丰富了视觉触感，而且展现出自身作画时激动的情感和亢奋的精神状态。
记得后印象派画家塞尚说过“色彩有自己的逻辑，画家应服从这个逻辑”，因此，我在这幅画中，尽可能地在丰富的冷暖对比中寻觅与主题密切相关的空间感和整体感，直至画面的完成。
专家评论
时代光照下的《新区》
丁 涛
油画作品《新区》所展示的建房场景是“时代足迹”最为常见的景观。到各地走走，几乎处处可见，在不足称奇中几乎令人熟视无睹。然而，出人意外的是：这一极为平常并不起眼的内容，却为青年油画家余尚红的慧眼所关注和铆定，取舍、提炼、构图、创作，而升华为亲切温暖、富于审美力度的油画佳构。
很显然，作者遵循了现实主义创作原则，从平凡的生活中发现了不平凡的意义，从常见的图式中挖掘出不一般的人文情趣。新区、小区、厂区等种种名目不同的建设，无一不体现为从无到有、从旧到新的嬗变和优化。车水马龙，吊车运转，房屋崛起等等盎然蒸腾的氛围，不正是国家富强、社会发展奏响的交响旋律么！画面也从一个方面，构成了现代化的标识和价值。
余尚红的画笔，张扬了色彩语言丰富的表现力量，作者在忠实于生活本质的前提下，不只是客观地、亦步亦趋地描写眼见的真实，而是跃进一步，注入了浪漫主义情怀，大胆地使用了非真实所示的暖色调——让偏于红、黄之色的大块面积亮丽而醒目地铺展于全图，并以深色、冷色恰当地契合其中，使人们感受到画面的热切和热烈！在艺术处理手法上，作者驾轻就熟，使之对比中有调和、调和中存对比，且富于装饰意蕴。不仅使观众得到了审美的洗礼和感染，而且也使我们分明看到，作者借作品表达了对时代生活的感悟和发自内心的祝颂！这幅油画，已然摆脱了简单化、公式化的图解说教，而称得上是艺术品的演绎。
罗丹在谈艺术创作问题时，这样说过：“一个低能的人，只是抄写自然，而永远不会成为艺术品——这实在是由于他视而不见；枝枝节节，不厌其详，结果毫无好处，呆板而没有性格。但艺术家的这个行业不是叫低能的人来搞的。对于这些人，就是最好的指导也不能造就他们的才能。相反地艺术家是能够‘看见’的；即是说，通过他的与心相映的眼睛深深理解自然的内部。”油画《新区》，也正是通过作者“与心相映的眼睛”，理解了时代生活及其内部的深意之所在而挥动刀笔油彩创作出来的。唯其如此，《新区》的整个造型、色彩、色调的表现，才可能恰到好处，才可能将现实生活中为人们所普遍关心、期盼的新区建设，用简洁而富于说服力的手法呈示于画面。这幅作品，作者的观察有深度，生活气息浓厚，画面表现比较充分、到位，艺术加工处理有自己的追求，富有典型意义。
作者最初学过广告设计，此后兴趣所使，一直醉心于油画的学习和研究，并决心沿着现实主义创作道路坚定地走下去。优秀的现实主义画作，也的确具有广泛的群众基础和影响力。遗憾的是：在油画作品样式纷繁的当今，虽不必将“现实主义”视为唯一流派，要倡导百花齐放，但却不能让创作在市场经济大潮中迷失方向，一味搞“机械化生产、快餐式消费”，一味“以低俗充当通俗、以欲望代表希望”，以致让作品变成“无根的浮萍、无病的呻吟、无魂的躯壳”，那样就是对艺术的亵渎！我们期望画家们要有时代的责任感和使命感，如习近平总书记在文艺座谈会上所要求的那样：“我国作家艺术家应该成为时代风气的先觉者、先行者、先倡者，通过更多有筋骨、有道德、有温度的文艺作品，书写和记录人民的伟大实践、时代的进步要求，彰显信仰之美、崇高之美。”我们大抵可以学习鲁迅先生的坚守，采集“民族精神所发的火光”，来举起“引导国民精神和前途的灯光”！
《新区》作者余尚红，对于上述精神有所领略，他注意到不断锤炼自己的艺术功力，并置身生活，尽量用画笔记录时代风貌。这一努力，已初见成效。其发展潜力不小，只要持之以恒步步为营地拓进，定然会获得更大更好的成绩！
作者简介
张 学
男，出生于1977年8月。毕业于清华大学美术学院绘画系油画专业，获硕士学位。现为广西书画院专职油画家，广西美术家协会会员。
张学作品
张学 摆渡 北京 120cm×150cm
张学创作谈
《摆渡》创作感言
张 学
对于当代油画来讲，必须超越写实与非写实的评价标准，超越当代与传统的界限，从艺术的本体出发，才能创造出具有中国文化特质并充分尊重艺术家个性探索的油画语言。
油画语言本身是一个真实而独立的客观存在，具有不可替代性，既不能定位于文学视觉化的功能，更不从属于摄影图片的再现功能。它包含材料的独特性、视觉形象的转化、绘画的书写感、油画语言的视觉新意等特征。
关于油画材料的独特性，我们不仅应该对油画材料的发展过程有所了解，也应该掌握其化学性质。从早期的湿壁画，到树脂材料的发明使用，使油画得以从墙上转移到画布上。油画材料的进步，拓展了画家们的表现领域和表现技法。油画材料的技术性，体现在画布的选择、画底的制作、颜料的制作、媒介剂的使用、设色程序的合理性，以及色彩透明度与纯净度的整体把握等方面，这使得油画语言具有独特的色层美感和肌理美感。只有对材料与绘画程序的潜心研究，创作过程才能更加得心应手。
从视觉形象转化的方面来看，在未来二三十年内，作品肖似与否的这一评价标准必将改变。取而代之的，既不是纯粹的写实主义，也不是抽象主义，而是介于二者之间的第三条路——带有强烈个性色彩的形象表达。正如德勒兹所说：“探索出一条介于抽象与具象之间的第三条路。”在创作过程中，我运用多种绘画方式处理形象，试图表现工业文化语境中人的某种疏离感与陌生感。绘画并非简单的摹写，而是对当下生存状态的某种记忆、体验、情绪以及认知的真实表达。
书写的状态亦是对油画语言可能性的实验。正如约翰·伯格在《看》中所说：“将绘画转变成一种个人的想象力，一种表现个人风格的特征。”在笔触与画布的接触中，有意或无意地运用笔触而产生的肌理，很让我着迷。透过委拉斯贵支与伦勃朗晚期的绘画作品也可以发现，尽管技法不同，但他们有一个共同的特征——生动的笔触所产生的节奏美感。
油画语言的视觉新意，在于能否找到属于自己的表达方式。创作中没有唯一的真理，它可以体现出每位艺术家的不同。在中国画领域，特别讲究师承关系，每位画家都被置于这一关系中。这种现象于明清时期，尤为明显，所以当徐渭、朱耷、齐璜等人跳出樊篱时，我们才看到超越的价值。在世俗的社会里，等级森严，而在艺术的世界里，却不存在这种等级制度。我们可以欣赏某位前辈艺术家，但他同时也是我们需要超越的界碑。当油画语言对生活进行多面向的剖析和表达时，更能彰显出它的价值和意义。
专家评论
由此岸到彼岸
——评张学的油画＜摆渡＞
马鸿增
油画《摆渡》，初看，一幅船工肖像；细看，愈品愈有况味。
古往今来，在江河湖海和陆地之间，有多少渡口和摆渡人，始终固守着自己摆渡的使命，默默地渡载着一代代人由此岸到彼岸、由彼岸到此岸。渡口，引发历代诸多艺术家的情思。唐代诗人岑参说“渡口欲黄昏，归人争流喧”。杜甫说“畏途随长江，渡口下绝岸”。白居易说“朝来渡口逢京使，说道烟尘近洛阳”。大体上是各自心随境迁。画家们则往往在山水画中点缀野渡横舟，至于摆渡舟子的形象，多是概念化的寥寥几笔，罕见认真绘写。
摆渡工，这一当今仍有众多坚守者的平凡职业，在青年油画家张学的笔下，被赋予了深邃的人文内涵，并以独到的艺术语言给人以审美感染。
《摆渡》的创作灵感来自于广西企沙渔港。渔港附近海域有一个小岛，岛上居民世代相传，每天靠摆渡船往来于陆上和小岛之间。坐在船边的摆渡老人，古铜般的肤色，沉稳的神情，让画家浮想连翩。岁月更替，世事多变，随着渡船靠岸和出海，辗转于人世的浮华与大海的苍茫之间，一边是跨进码头的入世，一边是乘桴浮于海的出世，在这两种情景转化之间，摆渡人会是一种什么样的心态？
这一追问，使画家的创作超越了一般肖像画的形神逼似，而升华为一种精神意象的表征，一种归于宁静的人生境界的艺术创造。摆渡老人任风霜雨雪的磨打，严寒酷暑的更替，始终渡人于彼岸，得自在于内心。这种心境，与禅宗“到达彼岸”的思悟相匹配，去掉世俗的纠缠而回归人的本性；也与古代隐士从容淡泊、随遇而安的人生哲学相匹配，“竹杖芒鞋轻胜马，一蓑烟雨任平生”。进一步说，《摆渡》寄托了人们对光明透彻、静守本心、回归天地之间的理想与期望。
为了充分表达出这种宁静致远的立意，作品艺术处理颇多推敲。金字塔式的构图，稳定而坚实，处于“塔尖”的是摆渡老人的头部。画面物象删繁就简，仅保留老人和船体的一部分，突出人的主体性和独立性。一眼望去，老人从容、镇静而睿智的神情，即便在光暗中也首先吸引着人们的目光；头戴类似于建筑工的安全帽，闪着金黄色，由于色彩明度的对比而使人物面部越发令人瞩目，安全帽和手扶的马达同时暗示着时代特征。画面整体色彩沉着，减弱过于强烈的暖色，强化冷色倾向，色调和谐统一，以凸显宁静感。这是黎明时分，抑或是暮色之中的色调意象。整体看来，画面散发着庄重、肃穆的气息和隐约的神秘感。
《摆渡》釆取了写实与写意相结合的表现方式，人物的身体、面部和船体部分，是写实的；而水面与画面光感的处理，则是表现性的写意方式。这种随机应变的艺术处理，融入了中华民族审美文化特色，增加了虚实相生、情景交融的视觉效果，也增强了意境含蓄、耐人寻味的审美魅力。
王国维论审美境界，分“有我之境”与“无我之境”，前者“以我观物，故物皆着我之色彩”；后者“以物观物，故不知何者为我，何者为物”。又说：“诗人对宇宙人生，须入乎其内，又须出乎其外。入乎其内，故能写之。出乎其外，故能观之。入乎其内，故有生气。出乎其外，故有高致。”要而言之，两者都强调物我一体、物我两忘，也即是天人合一。在我看来，《摆渡》创造的审美境界，不妨可以说是“有我”与“无我”两者兼而有之。
张学毕业于清华大学美术学院绘画系油画专业，后来又取得该院硕士学位，现在是一位广西书画院的职业画家。他奋力探索个性化的艺术语言，注重思考与研究。2013年曾创作过一幅以《此岸彼岸》为题的油画，那是以老桥为载体。
此次《摆渡》以人物画直指人心，不妨可以视为他“由此岸到彼岸”的一次艺术升华。《摆渡》作者对生活感悟智慧的把握，对中国传统文化的修为，对艺术审美境界的追求，具有普遍的启迪性。
作者简介
陆庆龙
男，出生于1964年11月，江苏射阳人，毕业于南京师范大学。中国美术家协会水彩画艺委会委员，江苏省美术家协会副主席，盐城市文联副主席，南京大学美术研究院副研究员、硕士生导师。
陆庆龙作品
陆庆龙 望果节 江苏 180cm×200cm
陆庆龙创作谈
《望果节》创作感言
陆庆龙
作为一名习惯于用画笔叙事的人，我一直试图用自己熟悉的环境中的人和事与时代对话，将影像民生进行“原生态”式的呈现，表现出家乡地区特有的地域色彩与风貌以及悄然发生的社会演进与变迁。
但是《望果节》却是行走的收获。在去往他乡的路上，没有思考的沉重，淡去了浓郁而深厚的乡愁，距离给行者打开另外一片天空。领略了旖旎的自然风光，流连于独特的人文景观，体悟着浓郁的民族风情。
曾走过一段古老的天路，亲吻天空与大地最近处那清澈澄净的湖水，在静谧的雪域高原上，凝视人们虔诚而纯净的眼睛，在梵文的诵经声中，聆听自己心灵的声音；也曾在贵州山区为几位安详的老人画像，周遭似乎溢满了祥和、宁静；而在一望无际的大草原上找寻蒙古包缕缕的炊烟与缓缓行驶的勒勒车时，感慨民族风情已不再纯粹，各式各样的现代元素融入了牧民的生活；在路上，我用目光去丈量世界，用心灵去体悟人生。
“望果节”是藏民欢度祈盼丰收的节日，是辛劳了大半年后藏区农耕者们的最大喜悦。藏语“望果节”中的“望”，意为“田地”，“果”为“转圆圈”，“望果节”即：围绕丰收田野的歌舞。节日里，身穿各色藏袍、腰系彩绸带的藏胞打着彩旗，抬着青稞穗、麦穗扎成的丰收塔，塔上系着洁白的哈达，敲锣打鼓，带着美好的祝愿，唱着颂歌，绕地头转圈，祈求丰收。这时候，藏族的姑娘们总是穿上最漂亮的服装，在欢乐中高歌起舞。《望果节》就是这样一幅民族风情的画面，也是行走的记录，更是快乐与收获的剪影！
专家评论
《望果节》的色彩韵致和写实风范
樊 波
陆庆龙的油画作品《望果节》在“时代足迹：2015·中国百家金陵画展（油画）”中获得金奖不是偶然的。近年来他的油画和水彩画作品曾多次在全国美展中赢得大奖——这表明：一个画家拥有敏感的审美心灵、感知时代脉搏的情怀以及出色的技艺才能，艺术的荣誉和丰收当然就会不期而至。《望果节》是描写西藏藏民的题材。其实“望果”二字本为藏语的音译。“望”是指农日，而“果”则是“转圈”的意思，所谓“望果”的本义就是指“在田地边转圈的日子”。据载，西藏的“望果节”已有1500年的延传历史了。相传在公元5世纪末，藏王布德贡为了保证粮食丰收曾向雍仲本教佛祖请教。佛祖旨云：由高举缠绕哈达的木棒和羊右腿的本教教主领路，让手捧香炉、高举幡杆的人作为前导，领着执捧青稞穗的乡民绕着地头转数圈后，再将谷穗插在粮仓和神龛上，从而祈求风调雨顺、五谷丰登。在仪式举行中，身着各色藏袍的藏民打着彩旗，敲锣打鼓，载歌载舞，念着美好的祝愿，进行娱神的庆典。简言之，所谓“望果节”就是藏民在田头举行的祈求丰收的歌舞活动。据画家相告，他描绘的正是藏民为了歌舞进行妆扮的场景。画面中的男女老少似乎已然整装待发；还有的藏民似在埋首准备、拾掇，情节是从节庆场面中自然截取的一个片断，真切、质朴，艺术的匠心悄然隐匿于毫无矫饰的语言叙事中。
然而作品开始打动我的并不是它的题材，而是它的色彩以及色彩所透发出的柔曼的韵致。画家的色彩用笔不是常见油画的那种强厉的触痕，而是如梦如雾一般的铺延，手法文雅且微妙到位，舒缓而不怠。画面的整个色调偏于青灰，加之藏民黝褐的面色以及大幅面的衣着深重的色块，使作品笼罩在一种与西藏地域文化氛围相统一的格调中。但是奇异的是：画面并没有给人一种压抑感，或者说色彩偏灰偏冷却并不使人感到沉滞，而仿佛依然从作品中流淌出一脉低而悠扬的旋律。这是画家通过色彩传达而出的安详的心灵节奏，是画家情感沉吟往复的一种色彩吐露。陆庆龙对我讲，他在创作时意识到青灰的色调可能带来的消极的视觉效果，所以他用衣帽的红色来加以打破。尽管如此，这些红色在保持着饱和度的同时还是稍微降低了它的亮感，只是在藏民中间以纯白间以黑色的衬衣进一步提升了画面色阶的音程，如同骤然形成的一个旋律中心，从而使整个色彩乐谱在低回之中终于递进奏鸣出一个响亮的音符。但随着作品的地平线缓缓地漫过人群的颈肩而向远处展开，与地平线自然衔接的青白铺写的天穹，又重新将色彩的节奏拉到极为协调而平和的叙事关系之中。
画家认为他这件作品较之于以前的创作，明显偏于主观方法，这是在讲他的色彩运用吗？依我看，无论是他早期的画作还是这件获奖的《望果节》，其人物造型的把握均可以见出画家驾轻就熟的卓越才能。在这方面，似乎很难看出太多的主观的态势——相反，画家在情境捕捉和选择上恰恰在力避人为的倾向，他没有将人群像摄影摆拍造型那样明显安排，没有围绕某种主题而将人物关系进行有意的设定，也没有为了表现某个情节冲突而对人物加以戏剧化的处理，更没有着意地突出某个主体形象，而是极为自然地、妥帖地、如同随机式地撷取藏民即将举行望果节歌舞之前的一个瞬间情境，极为真切而又不着痕迹地、巧妙地描写了藏民那种年复一年举行庆典时那种既不寻常但却平静如常的心态和形象，同时又不动声色地、但极为诚挚地刻画了藏民为获取丰收所经历的艰辛以及长年劳作、栉风沐雨在身体和面容上所留下的不可磨灭的烙印——而这就是写实主义（或现实主义）的本义。大量像藏民一样的、依然生活在这片辽阔土地上的民众生活正是写实主义依然可以存在并且仍具生命力的现实理由。当然我想说，这类作品实际上还是可以赋予更为深刻的哲理和灵魂，可以沿此而更为深刻地揭示人性的内涵和深度，正如19世纪俄罗斯不少杰出的画家所做出的那样。这对于画家来说，就不仅需要技巧和才能，甚至也不仅需要对人类拥有一种悲悯的心怀，而应当更富于一种哲学式的、洞彻和思考人类命运的大脑——这不是结语套话的诫言，算是我与陆庆龙的共勉心声吧。
作者简介
谢明凯
男，1969年生于吉林省，1990年毕业于长春大学美术系。现定居深圳，专心从事油画创作。中国美术家协会会员、广东省美协会员、深圳市美协理事，油画作品多次参加全国美展并获奖。2015年被评为深圳市本土优秀画家。
谢明凯作品
谢明凯 红军修建的民居 广东 100cm×180cm
谢明凯创作谈
《红军修建的民居》创作感言
谢明凯
我时常忆起孩提时代邻居老爷爷给我们讲故事，讲的最多的是红军长征的事迹。印象最深刻的是毛委员领导红军长征时爬雪山、过草地、吃树皮、煮皮带……最后战胜重重困难胜利会师。
有幸前几年深圳当地政府组织我们画家团队“重走长征路”写生采风活动，我们一组四人走的是从腊子口至延安，历行一个月的行程。当我们到哈达铺时在那多停留了几日，走遍了这个小镇每个角落，参观了红军指挥部、毛主席住过的旧居。当地老人给我们讲述当年红军战士如何爱护老百姓为他们担水、种地、扫院子、修建房屋……老百姓都夸赞他们是人民的好军队、人民的好儿子。
经过这次实地采风后，让我更加深刻地体会到红军的艰辛和困苦，他们战胜重重困难，历经千辛万苦，走完两万五千里长征。这种伟大崇高的精神是永远值得我们学习的，是他们的无私奉献才有了我们的今天。为此，我怀着无比激动的心情拿起画笔创作了这幅《红军修过的民居》来讴歌这支伟大的军队及受人敬仰的红军战士们。其目的也是让人们永远记住有这样一支伟大光荣的部队，学习发扬他们的崇高精神，为有这样一支部队而骄傲自豪。
专家评论
依稀亦情深
——谢明凯《红军修建的民居》一画印象
丁 宁
主题性或历史题材的绘画创作是否都要有历史人物、历史事件和重量级甚至文物级的界标等的确证与集成才会有其名正言顺的身份？艺术家可否以其个人化的方式介入，采取完全“趋小的描绘”（rhopography），从而表达出一种更具亲切感或细腻人性意味的缅怀和祭奠？如果我们抽象地来讨论这样的问题，或许总是费力不讨好的。
此次，谢明凯的油画《红军修建的民居》荣膺了“时代足迹：2015·年中国百家金陵画展（油画）”的十项金奖之一，难能可贵，或许正可以给我们提供些许的启示和思考。
主题性或历史题材的绘画创作当然可以循着人们更为习惯的所谓崇高、宏大、悲剧性、英雄主义等【即趋大的描绘（megalographia）】的方向发展，而且，总是难度自现，殊为不易，因而，美术史上可以留下来的杰作为数颇为有限，即使留下来的，也无不都是呕心沥血的成果。无论是法国画家大卫的《拿破仑加冕典礼》，还是董希文的《开国大典》，都是驾驭能力超凡的艺术家的不俗作为。事实上，大多数艺术家在这方面的努力并不总是能奏效的，而且，值得注意的是为数不少的画家面对主题性或历史题材的绘画创作时，似乎是非得换一种画法才行，不但与自己平时驾轻就熟的绘画路子大有区别，而且，更为紧要的是画面上体现的方方面面似乎已经见不出太多具有个人风格的特殊面貌了。尽管主体有几副笔墨自是艺术才情的表现，可是，问题就在于，当“几副笔墨”内在之间显得互不关联，仿佛各行其道，好像出诸不同的艺术家的手泽似的时候，那么，往往就显出了其艺术风格未臻成熟或完美的某种症状，而具体的作品也常常是精彩不到什么地方去的。因而，当我看到已届中年的谢明凯沿着自己惯常偏爱的画风，看似风轻云淡地面对所有的物象，一路画下来，那么从容和自如时，我是有点兴奋的。因为，很久没有看到这种忠实于内心的作品了：一方面是让自己的画风不加夸饰地流淌出来，另一方面描绘的又是那些几乎没有宏大意义的琐碎和片断的东西，却又透发着某种令人回味和细察的魅力。这就殊属不易。他的作品彻底远离了一鸣惊人的戏剧化招数，而是完全着眼于平实、平凡、平淡、平和、平缓一类的事物，因而，反而显得不无别致，很接地气。
一幅作品是否有感染人的力量，确实未必非要取决于那种激越、强劲的表达方式不可，这是《红军修建的民居》显得饶有意味的地方。通常，重大的题材本身往往与激动人心的力量有着重要的联系。可是，艺术家从一开始似乎就偏重于那种让情感缓慢释放出来的方式。表面上看，一切均显得冷寂而又寡淡，也见不到一个人影。细细地看，却有一些意味可供慢读与细品。画面上，红军当年修建的民居经历的岁月已经漫长无比，房子早就显得破旧不堪。但是，似乎还有迹象表明，当年红军留下的房屋还是有存在感的：电灯杆、自行车，以及牲口等，这一切似乎都在默默叙说老百姓受到恩惠以后的情景……世上还有什么比此更波澜不惊的情感的表达方式！然而，恰恰就在这儿，我们又被这些细节牵动心弦，甚或会情不自禁地感喟：为人民建设美好生活的使命其实一点也不轻松，依然是要为之卓绝奋斗的重要目标。尽在不言中，难道不正是绘画作品孜孜以求的旨趣吗？
我相信，艺术家并不是将自己的目光仅仅定格在现实中的某个角落然后再将其直接描摹而已。在这里，形式化的诸种处理其实是不无用心的。几乎半抽象的色彩板块隐隐中会让人有间离感或梦幻感。这是真实的场景，抑或记忆中褪色的表象——这种似乎有点不确定的效果，更是让形式感十足的构图透出一种包含现实而又不限于现实的丰富性。以个人的偏爱，我觉得，画面上那些暖色的部分虽然不甚真实，可是有鲜明的现代感，而且温馨的意味扑面而来，绵绵不绝！
综上，我以为谢明凯的《红军修建的民居》不愧为近年来少见的一件特色迥然的感人之作。
作者简介
谭 杰
男，1978年出生，湖南湘潭湘乡人，毕业于湖南理工学院。湖南省青年油画艺术委员会副主任，湘潭市美协油画艺术委员会主任，湘潭市油画学会副主席。
谭杰作品
谭杰 向劳动者致敬 湖南 180cm×60cm
谭杰创作谈
《向劳动者致敬》创作感言
谭 杰
我很荣幸，能获得“2015·中国百家金陵画展（油画）”这个重要的艺术奖项。这就像我儿时在农村老家烧大灶，在柴火将尽的时候，看到的只是一种微弱之象，几乎毫无声响，但它竟能被距离我如此遥远的地方看见，这不能不说是艺术的神奇之处。我相信这个奖是对艺术这种恒久而虚无的事业的一次赞美。感谢评委们给我这么高的荣誉，感谢主办方，感谢艺术，感谢油画！
我于1978年出生在湖南湘潭。这块土地上，由于诞生了艺术巨匠齐白石而艺术芳香至今弥漫。感蒙老一辈艺术家的引领，湘潭的艺术劳作者在独特的文化背景和艺术建构下，以一种雅正的坚守，使艺术创作更多地保留了一种精神的重量与艺术尊严，葆有了其独特的韵味与生命魅力。可以说，湘潭的艺术创作，并未因白石老人这颗最耀眼的星辰的远去而将整个湘潭乃至湖湘艺坛的热情带走。相反，却是在远离京上广艺术中心的边缘寻找自己精神源头的坚持与文化选择上的捍卫，使那些对其高山仰止的创作者和新成长起来的艺术追随者在他们的艺术品格中看到了湘潭和湖湘艺坛更高的追求与希望。也正是这份机缘，让我从学习油画创作的最初那个时候起，就浸淫于这种高度，并决定自觉坚守。
我的童年和少年时代，是在农村度过的。我的父亲是一个泥瓦工，为了我和姐姐读书，在我很小的时候他就远赴新疆打工，直到我十多岁的时候才回到家乡和我们一起生活。但因为干的建筑活，他还是经常在外。那时我少不更事，加上与他相处不多，缺乏沟通，不免对他多有抱怨。在我的印象中，我们家里别的好东西没有，但有一样东西却满屋堆放，那就是土头土脸、灰不拉叽的灰桶。直到现在，父母居住的房子小院里，堆放得最多的还是灰桶。当然，后来我的感觉随着年龄的增长已发生变化，我开始认识到了父亲的崇高与不易、劳动者与劳动的崇高与不易，而那些土头土脸、灰不拉叽的灰桶便是劳动与劳动者的象征。于是，多年以来，我都以灰桶为创作对象，用画笔和刮刀，表达我对劳动、对劳动者、对父亲的深深敬意。创作于2014年的这幅《向劳动者致敬》，即是其中之一。我在这幅画的构图形式上，执意将灰桶堆叠成一座山一样，其意也就是要表达劳动者（包括我的父亲在内）在我的心中，就是一座高山、一座丰碑。
艺术的目的之一，是为了唤起普世对生活、对生命应有的尊敬。为什么人类需要艺术？是因为人需要爱与谦敬。是的，劳动和爱、和谦敬，再加上父亲满屋子堆放的灰桶，构成了我最初亦即一生的精神追求。我会像泥瓦工的父亲一样，为艺术大厦的筑造，义无反顾，不断淬炼，努力攀登新的高度。
专家评论
工人的丰碑
——评《向劳动者致敬》
左庄伟
站在《向劳动者致敬》画前，映入视觉的是一摞常见的泥瓦工人用的水泥小桶。就画家选择的题材而论，这是一幅静物画，“静物”是指无生命的物象，在现实生活中多为人的实用物品和审美对象。在画中虽然见物不见人，由于它具有的物性、功能性和与人的关系，因此又能见物如见人。在这幅画中我们一目了然画的是泥瓦工人不离手的水泥小桶，它本身就其形态而论并不美，甚至有些脏兮兮之感，谁也不会将它置于客厅卧室。但当它成为艺术表现的对象，它的内涵精神美和它延伸的思想意义就超乎了它本身的形象，成为审美的艺术形象。
画家谭杰创作这幅画的动因是很不一般的，这摞小水泥桶在他的心目中每一只都被他赋予了崇高、神圣和伟大的品格。在这里它已经不是一摞小桶而是寄寓着一个崇敬的人的化身，这个人就是他的父亲。
谭杰于上世纪70年代末出生于湖南湘潭湘乡的乡村，自幼年起就很少见到长年在外做泥瓦工的父亲，因他难得回家也很少沟通，只见他那无言的身影提着水泥桶在烈日雨淋中始终在为别人营造美好家园，而自己却长住于简陋的工栅里。他用血汗钱为子女买好吃的面包，还供他们上大学，而自己却蹲在角落吃着咸菜冷馒头。一想到这些，内心就有着难以言表的情感，他渐渐地感悟到父亲手里的那只小水泥桶的形象意义和世人看不到的小桶所发出的光辉。当他成为一名美术院的学生从事着绘画创作时，就想用画笔把自己对父亲的那份真情实感通过恰当的艺术形象表现出来，传达给所有人，让他们看了也同样感悟到父亲的平凡、崇高和伟大。这正是艺术的本质所在。在我看来艺术就是艺术家在现实的自然和社会生活中受到某种事物的感动和启迪，因此而生情和意，然后用自己所掌握的独特艺术语言塑造成艺术形象让世人在观赏中同样受到感动和启迪。作为艺术家与一般人的不同之处就在于：他们能在一般人司空见惯的平凡事物中发现它所蕴含的思想意义和美，并且能用自己独特的艺术语言表现出来，让人们从他所塑造的艺术形象中感悟到事物的本质和美。谭杰所创作的这幅摞起的小桶就是从极为平凡的事物中发现了它的情感意义和特殊的美。
古人云“画以简贵”，如尚简乳微，则洗尽尘滓，独存精华。这幅画的图式和艺术形象极简，画面上就是重叠一摞泥瓦工用的小泥桶构成一个顶天立地的柱体，像一座威严的纪念碑，是一座用汗水和着泥迹斑斑的破旧泥桶建树起来的劳动者的丰碑。每一只小桶上都留下工人长年血汗印记，世间的高楼大厦，就是用这小桶和泥刀一砖一瓦建造起来的。人们常说“吃水不忘挖井人”，我们身居高楼也不能忘记建造大厦的工人们啊！这就是小小的泥水桶作为艺术形象所引伸的思想意义。艺术形象宗师大于思想的，画家用“向劳动者致敬”为画题，我以“工人的丰碑”来肯定它的社会价值和意义是一致的。
这是一幅写生的写实主义作品，艺术形象富有生活气息的真实，这种真实地再现小泥桶能使观赏者见物思人。由画的艺术语言能模仿和再现形象的形、光、色和它存在的空间感。它的语言形态是笔触和色彩，犹如中国画中的笔墨（即线条与墨色），画家为了达到视觉的冲击力效果，常规的笔触为刮刀法所取代，他直接用刮刀调和色彩塑造艺术形象。他作画的方式如同一位雕塑家在雕刻和塑造。其实西方画家作画就如同雕塑一样，只是在平面上用笔触和色彩塑造罢了。西画原本与雕塑同源，所以作画叫塑造艺术形象；而中国画与书法同源，作画叫写。谭杰用刮刀画法塑造一座水泥桶构成的工人的丰碑，因为刀法坚挺硬朗富有强健的力度，使平面的艺术形象具有雕塑感，这是油画的高境界。画家并不着力描绘对象的细节精微，而以写意的刀法塑造物象的质感、量感和空间感，使形象发出沧桑感，刀痕如伤痕。画家全画的用意都想在通过对物象的塑造传达对父亲和与父亲同样的工人辛勤劳动的崇敬和深深的特殊的难言之情，他从内心发出“向劳动者致敬”的最强音。（中国山水画艺术网编辑）
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